Wenn Musiker_innen beim Streichinstrument mit dem Bogen ansetzen, verlassen sie sich auf ihre Spieltechnik und Intuition, um den gewünschten Klang zu erzeugen. Aber was genau bestimmt die Grenzen der Spielbarkeit und die Qualität des Klangs? Welche Faktoren beeinflussen die Saitenschwingung, und welche dieser Faktoren hängen von der Technik der Spielenden ab und welche von der Saite selbst?

Vor etwas mehr als 100 Jahren, Ende 1924, wurde die Fachhochschule für Musik und darstellende Kunst, die parallel zur Akademie für Musik und darstellende Kunst bestand, als eine der Vorgängerinstitutionen der heutigen mdw gegründet. Sie wurde bereits nach wenigen Jahren wieder aufgelöst und riss auch die Akademie, mit der man das Gebäude sowie Ressourcen geteilt hatte, in eine tiefe Krise.

Das Versprechen von transformativen, berührenden Erfahrungen befeuert den Kunstbetrieb. Der Soziologe Hartmut Rosa bezeichnet dieses Streben in einem weiteren Kontext als historisches Paradigma, das die Beschleunigung der spätmodernen Gesellschaft vorantreibt, um die „Weltreichweite“ des bzw. der Einzelnen zu vergrößern. Er bezeichnet dies als Resonanzversprechen: Resonanz ist eine Art mit der Welt in Beziehung zu treten, zu der wir von Natur aus neigen.

„Trans-Bodied Knowledge“ ist ein künstlerisches Forschungsprojekt unter der Leitung von Efilena Baseta, gefördert vom PEEK-Programm des Österreichischen Wissenschaftsfonds für kunstbasierte Forschung. Im Rahmen dieses Projekts versuchen die technisch orientierte TU Wien, und die künstlerisch ausgerichtete mdw durch das Verwischen der Grenzen zwischen Wissenschaft und Kunst einzigartige Erkenntnisse zu gewinnen.

Das Haus der Träumer, Indische Flamme, Kronprinz Rudolf, Das Leben eines merkwürdigen Mannes – dies sind nur einige Werke aus dem reichen Schaffen des Wiener Literaten Erwin Weill. Ein Schaffen, das durch das NS-Regime abrupt gestoppt wurde und dessen Schöpfer 1945 im KZ Auschwitz starb.

Dieser von den beiden mdw-Lehrenden Rainer Prokop und Rosa Reitsamer herausgegebene Band setzt sich aus einer hervorragenden Sammlung wissenschaftlicher Artikel zusammen, die kritisch beleuchten, wie der Neoliberalismus in der jüngsten Vergangenheit die Änderungen im Bereich der musikalischen Bildung und den musikalischen Ausbildungslehrgängen geprägt hat.

Eine Vielzahl von Künstler_innen, Musiker_innen und Komponist_innen haben den Plattenspieler in den letzten Jahrzehnten intensiv genutzt, bearbeitet und erweitert. Durch virtuos angewandte Techniken, wie u. a. Scratching und Beat-Matching, wurde der Plattenspieler zum Instrument und der bzw. die DJ zum/zur Musiker_in.

Es begann vor einigen Jahren mit dem Klarinettenkonzert des US-amerikanischen Komponisten Aaron Copland (1900–1990) auf meinem Notenständer. Mein Blick war am Schriftzug ganz oben auf dem Notenblatt hängen geblieben: „For Benny Goodman“. War Copland mit der Swing-Ikone befreundet gewesen? Hatten sie zusammengearbeitet? Oder hatte der Komponist Goodman (1909–1986) schlicht als Musiker bewundert?