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Verbindet euch unverzichtbar!<\/h5>\n
How do we come to matter?,<\/i> fragt Keynote-Speaker Doug Borwick und gibt die simple Antwort \u201eBy mattering\u201c. Der Schl\u00fcssel zu bedeutsamer Musik sei es, unverzichtbar zu sein. Und unverzichtbar ist die tiefe Verbindung mit einer Community, die der Auff\u00fchrung von Musik als gleichwertig angesehen wird. Doch wie wird man bedeutsam? Was schafft diese tiefe Verbindung zur Kunst, in diesem Fall klassischer Musik?<\/p>\n
Eine Inszenierung von West Side Story<\/i> sei je nach Auff\u00fchrungsort anders relevant f\u00fcr Zuh\u00f6rer_innen aus unterschiedlichen Milieus. Die Kulturbranche m\u00fcsse demnach community aware <\/i>sein. Dazu geh\u00f6ren genaue \u00dcberlegungen, welche Auff\u00fchrung wirkliche Bedeutung f\u00fcr welches Publikum hat. Auch Hannah Conway, k\u00fcnstlerische Leiterin von Sound Voice<\/i>, spricht von der Notwendigkeit der Verbindung zwischen den Menschen im Publikum und jenen auf der B\u00fchne. Es brauche zwar nur Neugier, um mit Musik in Verbindung zu treten \u2013 doch f\u00fcr eine langfristige Verbindung reiche sie nicht aus. Im Vordergrund steht f\u00fcr sie eine Gleichheit der B\u00fchnen \u2013 und mit B\u00fchnen meint sie nicht nur die Main Stage, sondern auch den Publikumssaal, von dem aus jede_r partizipieren soll.<\/p>\nDas Wir im Plural, das Ich im Wir<\/h5>\n
Das gewichtige Potenzial von Communitys in der Musikvermittlung r\u00fcckt auch der Soziologe Simon G\u00fcntner in den Mittelpunkt. Starke Gemeinschaften sorgen f\u00fcr stabile Gesellschaften. Fr\u00fcher in Dorf und Familie angesiedelt, entstehen heute ganz neue, auch kurzfristige Formen von Vergemeinschaftung. Durch gemeinsame Erfahrungen in Abgrenzung zu anderen verbinden sich Einzelne zu einer neuen Community. Dieser Gedanke l\u00e4sst sich auf die Musik \u00fcbertragen. Gemeinschaften existieren immer nur im Plural \u2013 es gibt keine einzelne \u201erichtige\u201c Gemeinschaft, sondern viele parallel zueinander.<\/p>\n
Innerhalb der Gemeinschaften existiert allerdings auch das Individuum: Hannah Conway stellt die Frage, wer die Person hinter dem Musizieren und Musik-Erleben ist. Sie erz\u00e4hlt von einer S\u00e4ngerin, deren Stimme aufgrund ihrer Krebserkrankung besch\u00e4digt wurde. Sie wollte ihren Kindern eine Erinnerung an ihre Stimme schenken. So entstand ein Musikwerk, in dem Aufnahmen der gesunden Stimme mit dem Satz \u201eYour Mommy has cancer\u201c mit Ges\u00e4ngen mit der besch\u00e4digten Stimme nach der Krankheit verwoben wurden. \u201eWir h\u00f6ren niemals gesch\u00e4digte Stimmen\u201c, meint Hannah Conway. \u201eWarum nicht?\u201c Durch das Einbeziehen von ansonsten ausgeklammerten Sounds werden Personen erreicht und ber\u00fchrt, die sonst nie damit in Kontakt gekommen w\u00e4ren.<\/p>\n
Beitr\u00e4ge f\u00fcr die Gesellschaften<\/h5>\n
Die Bedeutung der eigenen Identit\u00e4t streicht auch Rineke Smilde in ihrem Vortrag hervor. Sie verkn\u00fcpft die Frage, wer man selbst als Musiker_in ist, mit dem Anspruch, dadurch etwas f\u00fcr die Gesellschaft beizutragen. Sie erz\u00e4hlt von Musik im Gesundheitsbereich, wo Musiker_in, Patient_in und Pfleger_in gemeinsam miteinander musizieren. Hier bekomme der Begriff der Exzellenz, der in der Konzertbranche so viel Raum einnimmt, eine neue Bedeutung. Exzellenz sei nicht nur im musikalisch-technischen Bereich n\u00f6tig, sondern vielmehr auf einer sozialen Ebene. Erst durch diesen ganzheitlichen Ansatz kann es zu einer vertieften Kommunikation zwischen Musiker_innen und Publikum kommen. Im Gesundheitsbereich k\u00f6nnen etwa Pflegende die Person hinter der Demenz auf eine Art und Weise sehen, die im normalen Pflegealltag und herk\u00f6mmlichen Beziehungsgef\u00fcge nicht funktioniert. Durch einen ganzheitlichen Ansatz des Musizierens k\u00f6nnen solche Beitr\u00e4ge f\u00fcr die Gesellschaft aber geschaffen werden.<\/p>\n
Wo es brennt: Ungerechtigkeiten im klassischen Konzertbetrieb<\/h5>\n
Rosa Reitsamer thematisiert den problematischen Umgang mit gender<\/i>, race<\/i> und sexuality<\/i> in Zusammenhang mit der klassischen Konzertbranche. Sie zeigt auf, wie ungleich der Zugang zu klassisch ausgerichteten Institutionen ist, die damit unsichtbare soziale Grenzen ziehen. Konzertbesucher_innen entstammen \u00fcblicherweise einem Milieu, in dem der Konzertbesuch sozialen Status mit damit in Verbindung gebrachtem Geschmack demonstriert.<\/p>\n
Diese Art der Ausgrenzung treffe nicht nur Personen, sondern auch die Musik selbst. Historisch gewachsen, wurden Musiken die Begriffe \u201eschwarz\u201c oder \u201ewei\u00df\u201c zugeschrieben. Durch dieses racial marking <\/i>wurden die \u201ewei\u00dfe\u201c klassische Musik in ihrer Vormachtstellung mit Privilegien und universeller G\u00fcltigkeit behaftet, w\u00e4hrend Musik von People of Colour systematisch aus Konzerth\u00e4usern ausgeschlossen war.<\/p>\n
Eine bemerkenswerte Initiative gegen Rassismus im Konzertbetrieb stellt das Chineke Orchestra dar. Ishani O\u2019Connor, Learning and Participation Manager dieses Ensembles, beschreibt im abschlie\u00dfenden Round Table, wie junge musizierende People of Colour gezielt gef\u00f6rdert werden und wie das Orchester die Musik \u201eschwarzer\u201c Komponist_innen wiederentdeckt und h\u00f6rbar macht.<\/p>\n
H\u00f6rt kritisch!<\/h5>\n
Es brennt also gewaltig, und das nicht nur wegen ausbleibender Besucher_innen angesichts der Corona-Pandemie. Umso wichtiger ein Rethinking<\/i> und best\u00e4ndiges Reflektieren der Praxis. Rosa Reitsamer pl\u00e4diert zuallererst f\u00fcr ein \u00dcberwinden von defizit\u00e4ren kulturellen Modellen. Dies fange schon beim H\u00f6ren an: \u201eH\u00f6rt kritisch\u201c, sagt sie und meint damit: Wie wird das eigene H\u00f6ren von gender<\/i>, race<\/i>, Biografie und Klasse beeinflusst? Erst durch das Verstehen der eigenen Identit\u00e4t k\u00f6nne man beginnen, Musik differenziert wahrzunehmen. Mit der Haltung einer creative justice <\/i>sollen in der klassischen Musik Respekt und Gleichheit der Teilnahme in den Vordergrund r\u00fccken.<\/p>\n Im Symposium stellt sich die Frage nach fehlenden Gemeinschaften nicht: Teilnehmende und Vortragende, Musiker_innen und Zuh\u00f6rer_innen wurden fortw\u00e4hrend miteingebunden: Neben Hands-on-Workshops gab es k\u00fcnstlerische Aktivit\u00e4ten zu den Performances, um das eigene Lernen und Sein in Verbindung mit den Vortr\u00e4gen zu bringen.<\/p>\n So k\u00f6nnen die Teilnehmer_innen das Schlusswort der Musiker_innen Maria Gst\u00e4ttner-Heckel und Stefan Heckel nach deren einf\u00fchrender Improvisation \u00fcbernehmen: \u201eWe hope you enjoyed it, we certainly did.\u201c<\/p>\n Das Symposium Rethinking Classical Music Practice. Audience and Community Engagement in Classical Concert Life <\/i>fand von 25. bis 27.\u200a11.\u200a2021 online statt. Organisator_innen waren Axel Petri-Preis, Senior Scientist und stv. Institutsleiter am IMP, und Constanze Wimmer, Vizerektorin der KUG, in Kooperation mit der Plattform Musikvermittlung \u00d6sterreich sowie mica \u2013 music austria.<\/p>\n![\"\"](\"https:\/\/www.mdw.ac.at\/magazin\/wp-content\/uploads\/2022\/02\/post-1_image2-17-1024x576.jpg\")
Community Building im Symposium<\/h5>\n